ARTISTE.S

A Two Dogs Company propose chaque année plusieurs résidences techniques et dramaturgiques pour soutenir les artistes émergents et en milieu de carrière dans le développement des dimensions techniques de leur travail. Nous combinons un accompagnement technique pratique avec un dialogue dramaturgique et thématique.

Notre objectif est d’aider les artistes à intégrer la technologie de manière plus approfondie et significative dans leurs performances, installations ou chorégraphies. Nous partageons également notre réseau de résidences et artistique, incluant workspacebrussels, KWP - Kunstenwerkplaats, Grand Theatre Groningen et le festival Bâtard.

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Nous avons le plaisir d’annoncer le deuxième projet pour la résidence iMAL x A Two Dogs Company. Pour la résidence STAGES#2, un jury composé de membres de A Two Dogs Company et d’iMAL a sélectionné la proposition de Winju.

Winju (né.e en 1997 en Turquie) est un.e artiste basé.e à Bruxelles dont le travail s'étend de la sculpture à la performance en passant par l'installation. S'inspirant des contraintes du corps biologique, social et technologique, Winju crée des paysages hybrides où les systèmes organiques et mécaniques s'entrechoquent. Sa pratique fusionne des éléments de la nature avec des structures techniques pour explorer les thèmes de la vulnérabilité, de l'identité et de la résistance, remettant en question les limites du corps et l'influence des forces extérieures.

"L’ironie et le sarcasme sont l’antidote à la condition humaine."

Winju explore à travers sa pratique le potentiel performatif et sculptural des de systèmes en contradiction.
#Stages2 : "Medical Black Metal” | Resident 2025 - 2026

Son travail a été exposé à l’international (iMAL, Le Botanique, Centre Wallonie-Bruxelles, A Two Dogs Company, Musée Elgiz, entre autres). En 2025–2026, ils développera de nouvelles œuvres en résidence à iMAL et A Two Dogs Company.

Son travail se déploie à travers des installations, des mécanismes et des environnements basés sur des objets qui simulent la fonctionnalité tout en perturbant la cohérence. La logique apparente est appliquée uniquement pour être démantelée. Les formes qui en résultent fonctionnent comme des protocoles incomplets, mettant en scène la fiabilité technique à la fois comme fiction affective et geste théâtral. Les machines produisent juste assez de chaos pour maintenir l’illusion.

À travers ses sculptures et machines, Winju orchestre une thérapie brute et libre, un exorcisme des tensions internes et externes. Chaque œuvre devient un miroir déformant de nos peurs et désirs, révélant les dysfonctionnements invisibles de nos corps et de nos sociétés. En mêlant l’esthétique industrielle du métal à l’expérience médicale, iel exposent ce qui devrait guérir mais finit par contraindre, ce qui promet le progrès mais génère l’aliénation. Ses machines absurdes et brutales fonctionnent tout en défaillant, comme un organisme sous tension.

C’est ainsi que naît MEDICAL BLACK METAL : une plongée dans les paradoxes du soin et du contrôle, où la souffrance devient catharsis, où l’ordre se fissure pour mieux révéler son absurdité.

Judith Van Oeckel (née en 1998) est une danseuse et performeuse basée à Louvain. Elle est fut diplômée de P.A.R.T.S. en 2019 et a obtenu son master en arts libres avec la plus grande distinction à la KASK en 2022. Elle inscrivait jusqu’à présent sa pratique de danse dans le travail d'autres artistes tels que Jolente et Anne Teresa De Keersmaeker (BE), Sofia Ceasar (BR), Nathalie Rozanes (CH), Amos Tindemans (BE) et Rut Buelens (BE). En raison de migraines chroniques consécutives à une infection respiratoire, Judith Van Oeckel ne peut plus travailler en tant que danseuse interprète. Dans sa pratique, elle explore les limites de son corps et les moyens de préserver ses mouvements.

fyllenia grigoriou (Grèce, °1995), alias trentebisous, est une artiste de danse transdisciplinaire dont le travail relie la performance, l'enseignement de la danse et la sociopolitique. Basée à Anvers, elle a obtenu un bachelor en danse au Conservatoire royal d’Anvers en 2021, suivi d'un master en recherche artistique incarnée, en tant qu'artiste résidente à deSingel en 2023. Sa recherche et sa pratique artistiques explorent les politiques de l'improvisation et la psychologie de la mémoire et du langage, en utilisant des dispositifs chorégraphiques, ainsi que de la poésie performative et des actes politiques. 

fyllenia a collaboré avec des artistes tel·les qu'Alain Platel, Bérengère Bodin, Anton Lambert, Hannah De Meyer, Nein Arts et Efi Birba, en contribuant à leurs performances en tant que danseuse, chercheuse et dramaturge. Elle suit actuellement un programme d'enseignement sur la société et le genre à l'Université d'Égée (GR), et fait partie de l'équipe d’enseignant·es de Wisper Organisation et de Kunstacademie Dil'arte en Belgique. Elle collabore depuis 2024 avec l'artiste visuelle et créatrice de théâtre Nazanin Fakoor, et la chercheuse en performance Danae Theodoridou.

Son concept de danse stenochωreography - writing dance within tight spaces, reflète un engagement à se réapproprier le corps à travers la performativité, l'empathie incarnée et les états de vulnérabilité dans l'espace public, et offre un moyen de naviguer à travers les pressions sociétales. Cette recherche artistique et corporelle étudie la manière dont le corps se déplace dans des espaces restreints - à la fois littéraux et métaphoriques - et comment ce processus résonne avec les traumatismes personnels et collectifs.

En tant que résidente à A Two Dogs Company, fyllenia cherche à remettre en question les notions traditionnelles de chorégraphie en situant le corps public dans les complexités du paysage sociopolitique. Par cette pratique, elle cherche à contrecarrer les représentations du corps comme simple spectacle violent ou destructeur, en proposant  qu'il devienne au contraire un espace de résilience et de transformation.

Nous avons le plaisir d’annoncer le premier projet pour la résidence iMAL x A Two Dogs Company. Pour la résidence STAGES, un jury composé de membres de A Two Dogs Company et d’iMAL a sélectionné la proposition de Bárbara C. Branco.

Mooni Van Tichel est danseuse, performeuse et créatrice. La découverte de la danse à travers le hiphop, House et le breaking a dessiné ses centres d'intérêt et ses façons de se rapporter au mouvement. Elle a ensuite découvert la danse contemporaine, ce qui l'a conduite à P.A.R.T.S., où elle a été diplômée du cycle de formation en 2019 et de STUDIOS en 2021. Actuellement, elle a repris sa formation initiale en danse, se produit pour d'autres artistes et crée ses propres œuvres.   

En tant que créatrice, Mooni part souvent de la théorie féministe, de l'esthétique et des récits de science-fiction, et de la musique autoproduite. En utilisant des cadres restrictifs, elle développe des logiques de mouvement spécifiques et des matériaux de danse superposés. L'intensité élevée, les représentations de la violence, ainsi que la relation spécifique de l'interprète à son corps (féminin), sont actuellement importantes pour elle.   

C'est à partir de ces idées, le matériau de ce travail est né : une heure de stop-motion sur une musique à 200 bpm. Les mouvements effectués pendant les arrêts sont inspirés par les différentes actions des super-héros (attaquer, protéger, défendre, essuyer la sueur ou le sang, se recharger) et par une imagination du corps comme plus grand, plus capable, plus puissant qu'il n'est, comme cyborg, comme immortel. Les actions concrètes sont un chemin vers une forme de lutte plus existentielle.    

La structure globale des " beats " dans lesquels les interprètes sont coincés soulève des questions sur la manière dont le changement est possible, et sur la manière dont la force ou le pouvoir est lié à cette possibilité. Tout au long de la création, nous explorons où se trouve l'espoir et comment le trouver dans ou à travers cette structure préexistante. Pour ces questions, Mooni explore le travail de penseurs féministes sur la violence et l'autodéfense, tels qu'Elsa Dorlin et Veronica Gago.

"Lurker" sera un solo de danse inspiré par l'expérience du théâtre Noh. Plus précisément, l'étirement du sens du temps, l'espacement et le repos comme moyen de contempler. On pourrait comparer cela à des modes d'intimité dans un sauna ou à une scène de postquête dans un jeu en ligne. Vous n'interagissez pas nécessairement les uns avec les autres, mais vous engagez une présence alors que votre corps est confortablement estompé. Un "lurker" est quelqu'un qui est présent dans une salle de discussion mais qui ne participe pas à l'acte, se cachant de manière ludique dans l'ombre et permettant à l'ambiguïté de se produire. L'art comme forme de camouflage. Une forme de relation avec notre environnement de telle sorte que nous disparaissons presque dans l'acte.

Stefan Jakiela (1987) a obtenu son diplôme d'interprète à l'Académie d'art dramatique de Maastricht. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé comme interprète, créateur et scénographe.  Avec Suze Milius, il a fondé l'organisation à but non lucratif House Crying Yellow Tears, au sein de laquelle ils hébergent une partie de leur travail artistique.

"Depuis quelque temps, je suis fasciné par les rideaux sur une scène. Des rideaux qui s'ouvrent et se ferment de différentes manières, dans des formes et des dispositions différentes. Chaque fois qu'ils bougent, il semble qu'un nouveau monde puisse émerger ou que la perception des choses puisse changer. Cela me fait penser aux trous noirs, comme s'il s'agissait d'un univers qui ne cesse de s'étendre et de croître sans fin."

"Je me concentre sur ces rideaux pour construire un monde, en me demandant à la fois artistiquement et techniquement comment ils peuvent se déplacer dans l'espace et ce qu'ils nous disent. Je passe en fait beaucoup de temps à coudre les rideaux, puis je commence à réfléchir à la manière de les suspendre, de les fixer, de les poser, de les nouer dans l'espace et d'explorer les possibilités qu'ils offrent. dans l'espace et commencer à explorer ce qui est possible. Dans une prochaine étape, j'aimerais vraiment demander à d'autres créateurs, danseurs ou performeurs de considérer cet espace comme un point de départ pour une éventuelle nouvelle performance de leur part. "

"Parallèlement, je travaille également sur 10 mini performances ou actions que j'ai appelées "10 Actions To Brighten Up Life" (10 actions pour égayer la vie). Il s'agit de 10 petites performances que j'ai depuis longtemps en tête mais que je n'ai jamais réalisées. La manière dont ces projets se concrétiseront et la forme qu'ils prendront font partie de mon processus de recherche dans le cadre de cette résidence."

Ce projet souhaite mettre en scène cet espace-temps si particulier en opérant une translation formelle et poétique : ici, le matériau musical n’est plus produit par des sons synthétiques mais par les tuyaux d’un orgue, l’Organous. Cet instrument, construit par le facteur Léo Maurel, est équipé d’un dispositif spécifique qui offre la possibilité de contrôler l’intégralité de ses tuyaux via un ordinateur. 

À partir de programmes informatiques que je conçois moi-même, il peut produire des masses sonores complexes, des glissandi ultras rapides ou encore, recréer des effets de filtrage ou de delay. L’automatisation de l’instrument apporte une grande rigueur rythmique, qui répond à l’exigence de régularité́ imposée par les formes électroniques.

La spatialisation naturelle du son favorise l’immersion du public. En effet, l’Organous se déploie au travers de différents modules qui peuvent se positionner comme on le souhaite. Au centre de l’installation, les spectacteur·rice·s baignent dans un océan de sons provenant des quatre coins de l’espace, mais ils·elles peuvent aussi se déplacer et se rapprocher des tuyaux de l’instrument. De nouvelles qualités apparaissent alors : là où à distance, la musique se répand comme un halo sonore qui favorise l’écoute d’ensemble, cette nouvelle proximité́ permet de saisir l’intégralité́ de la palette sonore de l’instrument, renouvelant la façon d’appréhender la musique d’orgue qui s’écoute traditionnellement à distance.

Mustaf Ahmeti (né·e en 1995, iel/elle·lui) est un·e artiste de la performance né·e à Pristina, au Kosovo. En 2021, iel a obtenu son diplôme d'art dramatique dans le cadre du programme de maîtrise à la KASK, à Gand. Outre l'art dramatique, la pratique de Mustaf se décline également sous forme d'art visuel physique et abstrait, ainsi que de performance. En accordant une place centrale au corps en tant que champ de recherche, iel tente, par le biais de rituels, de questionner la relation entre l'humain et "l'étrange", la nature et la culture, la peur et le contrôle. Dans son travail, iel cherche à s’affranchir des idéologies, valeurs, normes et vérités réductrices afin nous (re)découvrir nous-mêmes - et par là-même, l’étrangeté.

(Un)conventional dialogue (titre provisoire, devenu "Riddle My Skin") marquera le début d'une trajectoire artistique plus longue centrée sur le satyre mythologique. Dans la mythologie grecque, le satyre était un esprit de la nature doté d'un corps humain, mais aussi de sabots, d'une queue et de jambes similaires à celles d'un cheval. Les satyres étaient étroitement liés à Dionysos, le dieu du vin, de la luxure et de l'excès. Il s’agissait de créatures espiègles qui jouaient des tours aux humains et défiaient les dieux, et qui étaient surtout connues pour leur sexualité impétueuse.

Mustaf veut s’atteler au satyre afin de donner une forme artistique et sans filtre, à des sujets souvent ardus à aborder tels que la religion en relation avec les études queer et la politique du corps. Avec la figure du satyre, il cherchera une nouvelle perspective sur les tabous autour de l'Islam et de l'homosexualité, qui offre un espace pour les aborder et en discuter.